Motetes y cánones

El motete: una nueva forma favorita.

El motete, que se originó a principios del siglo XIII, rápidamente se convirtió en uno de los más importantes de los nuevos inventos polifónicos. A lo largo de los últimos tres siglos de la Edad Media, se convirtió en la forma elegida por los compositores que buscaban experimentar con técnicas, ampliar los límites de la forma, la armonía y la interrelación entre las partes y probar nuevas ideas en notación. Desde sus inicios se pretendía marcar una ocasión particular, y este énfasis siguió creciendo, al igual que el tamaño de las propias composiciones. La técnica de la escritura motete en sí surgió como una extensión natural de la práctica de la clausula sustituta. Al componer una nueva parte superior para la sección de cánticos, en lugar de duplicar el texto de la parte de la voz inferior, el compositor agregaría un nuevo texto para la nueva parte. El nombre motete es una forma latinizada de la palabra francesa "mot", que significa "palabra", refiriéndose al conjunto adicional de palabras. En los primeros ejemplos, el texto agregado estaba relacionado con el texto de la parte original, glosando o amplificando el sentimiento. Esto puede verse como análogo a la tradición de los tropos (ver arriba), excepto que en lugar de interrumpir el texto original con el nuevo comentario, se cantó simultáneamente.

Formas y variaciones de motetes.

El formato más común para un motete a lo largo de los siglos XIII y XIV fue tres partes de voz: dos nuevas melodías superiores compuestas sobre una melodía prestada (es decir, preexistente) en la voz más baja. La voz más baja, la que se tomó prestada de un canto (o más tarde, de otra composición) se denominó la tenor, del latín tenere que significa "sostener", refiriéndose al organum en el que las notas del canto se ralentizaron, es decir, "se mantuvieron" durante más tiempo. La siguiente voz se llamó alto, que significa "alto", y la más alta fue la de soprano, del italiano. por encima, que significa "arriba". Poco después de su invención a principios del siglo XIII, los compositores comenzaron a experimentar con el motete, y la forma rápidamente adquirió varios géneros y variaciones diferentes. Desde su comienzo bastante humilde y servil como una adición a una sección de canto, el motete se convirtió rápidamente en una composición completamente independiente que podría sustituir a los cantos en ciertos lugares dentro de la liturgia, por ejemplo, en la Comunión. Al principio, la parte más baja, el tenor, se elegía generalmente de una fuente sagrada existente, y el texto de la parte agregada estaba relacionado con el del tenor. Pero muchos motetes fueron diseñados para interpretaciones fuera de la liturgia, algunos obviamente destinados a un entorno secular. En estos, el tenor no era necesariamente de una fuente sagrada, ni los textos añadidos en latín; también se podría utilizar la lengua vernácula (es decir, la lengua de la región). Y el tema de los nuevos textos, incluso para aquellos construidos sobre tenores sagrados, es a veces sobre temas decididamente terrenales. Era música para una clase educada que se deleitaba con la sofisticación de las sutiles referencias cruzadas entre los textos, así como con su interacción armónica, melódica y rítmica.

Un rompecabezas musical

Introducción: Un canon de acertijos es un ejemplo del tipo de "juegos" intelectuales que solían emplear los compositores durante la Baja Edad Media. En el ejemplo aquí, "Agnus dei" de la Missa el hombre armado, el símbolo en el extremo izquierdo de las líneas del pentagrama es un signo de clave que marca F en la línea central, y la agrupación vertical de cuatro símbolos inmediatamente antes del comienzo de la música en la línea superior corresponde a las cuatro partes que se cantarán. Los músicos "resolverían" el rompecabezas siguiendo las marcas al comienzo de la música, que los dirigen a cantar la misma melodía a cuatro velocidades y tonos diferentes, convirtiéndola en una composición de cuatro partes. El resultado de la sección de apertura se transcribe en la página opuesta.

Complejidades y acertijos.

El motete solía ser elegido como formato para introducir complejidades de melodía, ritmo y tempo en las estructuras compositivas. La idea inicial de conjuntos de palabras simultáneos que se jugaban entre sí sugirió a los compositores que tales "juegos" intelectuales podrían extenderse también a la construcción real de la música. La más interesante y duradera de estas técnicas se conoce como isorritmo, dispositivo en el que se elige una secuencia rítmica particular más o menos arbitrariamente y luego se canta la melodía en la secuencia rítmica elegida, repitiendo el ritmo exactamente a lo largo de la composición. Los refinamientos y variaciones implican si la secuencia rítmica coincide o no con la longitud de las frases melódicas, y cuántas partes de voz de una composición se establecen en isorritmo. Una de las demostraciones más espectaculares de la técnica isorrítmica se puede encontrar en el motete de cuatro voces. Vine Espíritu Santo, vine Creador por John Dunstaple. El compositor escribe las cuatro partes de la voz en diferentes patrones isorrítmicos que no coinciden con el material melódico, y luego complica aún más la estructura al acelerar el ritmo de cada sección de la pieza por medio de signos de tempo basados ​​en una proporción matemática. La imposición de dispositivos formales tan estrictos tiene el potencial de sofocar la creatividad artística, pero en manos de un compositor habilidoso como Dunstaple, el producto es tanto un triunfo musical como técnico. tour-de-force.

Canon

Otro recurso compositivo a nivel de juego intelectual, aplicado a la música polifónica, fue canon (canon = regla), que requería que los intérpretes resolvieran un rompecabezas presentado ya sea en palabras o en símbolos para poder realizar la composición, del cual solo una parte estaba escrita. La forma escrita proporcionó instrucciones crípticas para derivar una parte adicional de lo que ya estaba en la página. "Llorar sin cesar", por ejemplo, la única dirección dada en una de esas composiciones, da como resultado la adición de una segunda parte completa si un cantante interpreta solo las notas pero no los silencios, mientras que otro cantante interpreta la línea exactamente como está escrita, incluyendo sus restos. En un nivel similar están las composiciones escritas como una sola parte con varios símbolos diferentes que indican el tempo (conocidos como signos mensurales), lo que producirá una composición polifónica cuando la pieza se ejecute simultáneamente a diferentes tonos y velocidades. En la ilustración del "canon del rompecabezas", los signos mensurales indican que la melodía debe cantarse de la siguiente manera (la primera nota debe comenzar donde se encuentra el signo).

La parte superior NA comienza en D alta y continúa en tiempo doble.

La siguiente parte ○ comienza en G y continúa en tiempo triple.

La siguiente parte NA3 comienza en D más bajo (el tono anotado real) y avanza en un tiempo triple más rápido.

La parte inferior NA comienza en G bajo y avanza en un tiempo de duplicación lento.

Rondas y capturas.

Otras formas musicales también emplearon el recurso del canon en la interpretación, aunque no suelen ser tan complicadas como las que se utilizan en el motete. El más obvio de ellos es el formato "redondo", en el que una sola línea de música se marca para comienzos sucesivos a la manera del conocido "Frère Jacques" o "Tres ratones ciegos". Una variación de esto se encuentra en el repertorio del siglo XIV de Francia e Italia, conocido como Chace (Francés), o caza (Italiano). La palabra se refiere literalmente a una cacería, pero apenas velada bajo un texto superficialmente ingenuo, siempre tiene un doble sentido erótico. Debido a que la segunda voz entra más tarde que la primera pero comienza al principio, los cantantes siempre están en diferentes lugares en el mismo texto y melodía. El compositor construye hábilmente la línea melódica para que las palabras de una línea se intercalen entre las de otra, produciendo un significado completamente nuevo, y uno que no se puede ver simplemente viendo el texto en sí. Son bastante entretenidos de escuchar, muchos de ellos contienen sonidos onomatopéyicos como el ladrido de perros o el sonido de trompetas. La "captura" inglesa del siglo XVII está relacionada con esta forma.

Fuentes

Andrew Hughes, Estilo y símbolo: Música medieval: 800–1453 (Ottawa: Instituto de Música Medieval, 1989).

Reinhard Strohm y Bonnie J. Blackburn, eds., La música como concepto y práctica en la Baja Edad Media. La nueva historia de la música de Oxford 3.1 (Oxford: Oxford University Press, 2001).

Jeremy Yudkin, Música en la Europa medieval (Englewood Cliffs, Nueva Jersey: Prentice Hall, 1989).