La primera música polifónica

Orígenes y desarrollo.

La adición de mayor alcance a la música durante la Edad Media fue la invención de la polifonía (música en más de una parte), un aspecto del arte occidental que no se duplica en ninguna otra cultura. La idea en sí, sin duda, se originó siglos antes que la evidencia escrita más antigua o incluso la primera mención en tratados teóricos. En sus formas más simples, la polifonía se puede improvisar fácilmente como, por ejemplo, cuando dos o más intérpretes cantan simultáneamente la misma canción en diferentes tonos, y todavía existe en esa forma en varias culturas. Pero los músicos de Europa llevaron la idea un poco más allá, desarrollando y refinando la práctica a un nivel de complejidad que no podía ser extemporizado, sino que requería una composición escrita largamente pensada y calculada. La música monofónica, tanto el canto como las composiciones seculares, se siguió interpretando a lo largo de la Edad Media y mucho después, pero una vez inventada, la polifonía invadió todas las formas con consecuencias dramáticas. Añadió un nuevo cuerpo de obras a la música sacra, complementando el canto e incluso reemplazándolo en ocasiones especiales. El efecto fue algo diferente en la música secular, donde la música polifónica se convirtió en el repertorio preciado de las clases altas, creando una distinción de clase musical que no existía anteriormente.

Las primeras formas.

La instrucción y la información sobre la polifonía se encuentran en tratados teóricos desde la La institución armónica (Instrucción melódica), escrita por el monje Hucbald c. 900, y luego ampliado y desarrollado en una serie de tratados que incluyen Micrologus (Pequeña discusión), de Guido de Arezzo. La base de la técnica proviene del movimiento paralelo, que Hucbald describe como el sonido que resulta cuando un hombre y un niño cantan la misma melodía simultáneamente, cada uno en su propio rango. Las extensiones de esta idea incluyen refinamientos hechos por una de las voces que varían del paralelo exacto en diferentes momentos, creando diferentes armonías, o una voz que se mueve lentamente mientras la otra se mueve rápidamente, llenando el vacío con pasajes ornamentales. Todas estas técnicas se conocen como "organum", y los primeros ejemplos escritos de la técnica se pueden encontrar en manuscritos de Inglaterra y Francia de los siglos XI y XII. En el siglo XII, experimentos adicionales que giraron en torno al monasterio de Saint-Martial en Limoges (centro de Francia) involucraron la composición de dos líneas de música con perfiles melódicos separados, lo que resultó en armonías en constante cambio entre las dos partes. Es en este punto que podemos marcar el verdadero comienzo de la polifonía compuesta, la marca más distintiva de la música artística occidental.

Notre Dame Organum y la cláusula sustitutiva.

Junto con la construcción de la catedral gótica de Notre-Dame en París en el siglo XII, se produjeron experimentos distintivos y de gran alcance en la composición de un nuevo repertorio polifónico de dos de los maestros del coro de la catedral: el maestro Leonin y el maestro Perotin. Estas composiciones, llamadas Organo, consistía en una nueva parte añadida por encima del canto tradicional. A Leonin (c. 1135-1201) se le atribuye el origen del Órganos libres magnus (Gran Libro de Organum), que contiene varios tipos diferentes de composiciones innovadoras, incluidas las secciones de organum para Graduals, Alleluias y Responsories para todo el año litúrgico. Las composiciones de órgano de Leonin estaban destinadas a sustituir las frases de canto llano que suele cantar un solista. Cuando se aplican pasajes de órgano a un canto, el resultado es una interrupción de la interpretación monofónica con una sección en la que un solista canta una parte superior rápida contra las notas graves largas y sostenidas del canto original, seguida de un retorno a la canto al unísono del coro. Las nuevas secciones se conocen como cláusula sustituta porque su propósito era tomar el lugar de una frase (clausula) ya presente en el canto.

Aprender.

Perotin, quien siguió a Leonin como líder del coro de la catedral de Notre-Dame, dio el siguiente paso y agregó al repertorio sustituto en la forma de una nueva organización rítmica de las notas del canto original con una proporción mucho menor entre el número de notas en el partes superior e inferior. El estilo de composición de Perotin, llamado aprender, aporta una mayor sensación de flujo rítmico a las secciones sustitutas. En la interpretación, por lo tanto, un Aleluya en el que se hayan sustituido las secciones de órgano y discantes adoptaría un formato en el que, por ejemplo, solo tres secciones de canto llano interpretadas por todo el coro podrían alternarse con seis secciones de órgano o discantes. El cambio con respecto a la versión original de canto llano del Aleluya sería que la participación del coro se ha reducido sustancialmente porque tanto el órgano como las secciones discantes son interpretadas por dos solistas, uno de los cuales canta el canto original mientras que el otro agrega el órgano recién compuesto o la melodía discante. sobre eso.

Fuentes

Reinhard Strohm y Bonnie J. Blackburn, eds., La música como concepto y práctica en la Baja Edad Media. La nueva historia de la música de Oxford 3.1 (Oxford: Oxford University Press, 2001).