Ballet en una era de revolución

Destrucción y cambio.

El inicio de la Revolución en Francia en 1789 produjo profundos cambios en la producción de todas las artes. Tanto la ópera como el ballet habían florecido en París junto con la Ópera, una institución real que durante mucho tiempo se había nutrido del patrocinio de la corte. A medida que se acercaba la Revolución, la bancarrota se perfilaba como la única forma de salir de una abrumadora crisis financiera real. En los primeros años de la Revolución, los privilegios especiales del clero y la nobleza, así como muchas de las antiguas prerrogativas del monarca, fueron abolidos en una serie de medidas progresivamente restrictivas dirigidas a todas las formas de privilegio antiguo. Al principio, se formó una nueva monarquía constitucional, pero el intento del rey Luis XVI de escapar de Francia con su reina en

Junio ​​de 1791 cambió la corriente de opinión en contra de tal opción, lo que llevó a la abolición de la monarquía y al establecimiento de un nuevo gobierno republicano. Como resultado de estos eventos que se movieron rápidamente, el patrocinio de las artes de Luis XVI al principio disminuyó rápidamente cuando se vio obligado a recortar costos para adaptarse a sus circunstancias dramáticamente apretadas, y luego se agotó por completo. A medida que el nuevo gobierno republicano se movía para establecer su control sobre todos los elementos del estado, se produjo un reinado de terror generalizado en el que cualquier sospechoso de simpatías monárquicas podría ser víctima de persecución y ejecución. Muchas de las instituciones que durante mucho tiempo habían alimentado el ballet y la ópera enfrentaron grandes pruebas durante el Terror, ya que sus vínculos de larga data con la sociedad aristocrática las marcaron como bastiones de privilegio. Una cultura musical y dramática más antigua, sostenida por sensibilidades aristocráticas, desapareció rápidamente en París y otras ciudades francesas, y los líderes políticos de la Revolución abogaron por un arte que pudiera expresar los principios democráticos y los ideales revolucionarios que estaban en el corazón de su movimiento. Tales principios se adaptaban adecuadamente a la forma naciente de la ballet de acción, ya que sus danzas narrativas proporcionaban una forma de presentar historias que encajaban perfectamente con los nuevos impulsos revolucionarios. Si bien el ballet no desapareció como diversión dentro de las óperas de la época, su lugar como forma de arte independiente quedó firmemente establecido a fines del siglo XVIII en París cuando el gobierno revolucionario lo abrazó para defender el republicanismo.

Cambios en el ballet.

A pesar de los cambios monumentales que estaban ocurriendo en la sociedad francesa en ese momento, la Ópera de París continuó floreciendo en el tumulto de la Revolución. A medida que los aristócratas desaparecieron de las filas de su audiencia, aparecieron nuevos espectadores de entre las clases medias. Si bien los déficits financieros eran típicos en la institución durante los primeros días de la Revolución, disminuyeron un poco después de que la ciudad de París asumió su control. Al principio, los ballets y las óperas que se representaron allí continuaron con el mismo patrón de las dos décadas anteriores. En otras palabras, se interpretaron muchos ballets que se basaban en temas mitológicos o heroicos antiguos. A medida que el fervor del sentimiento republicano crecía en París en los años posteriores a 1790 y la Revolución se hacía más radical, la comuna —es decir, el propio gobierno municipal de la ciudad— exigió que la compañía presentara nuevos dramas de danza revolucionarios. Los intérpretes de ballet de la Ópera también fueron reclutados para bailar en producciones realizadas en otros teatros parisinos. Durante el Reinado del Terror entre 1792 y 1794, el gobierno revolucionario encargó muchos ballets y bailes nuevos para marcar eventos clave de la Revolución. El establecimiento de la Constitución Civil del Clero y la ejecución del rey Luis XVI fueron dos eventos que se celebraron con la puesta en escena de elaborados bailes. Los dramas de danza conmemoraron eventos importantes en la historia de la Revolución, pero también marcaron algunos de los cambios trascendentales que la asamblea revolucionaria intentó implementar en Francia. La Adoración del Ser Supremo, una religión deísta aprobada por el estado opuesta al cristianismo tradicional, se hizo obligatoria en toda Francia en mayo de 1794. En un mes se organizó un festival masivo para conmemorar el nuevo cambio, y se organizó al aire libre una elaborada serie de bailes en los que participaron cientos de participantes. La danza conmemoró la Revolución incluso cuando la Comuna de París y el Comité de Seguridad Pública de la asamblea nacional ejercieron un control más estricto sobre los tipos de óperas, ballets y obras de teatro que se representaban en la ciudad. El Comité de Seguridad Pública, por ejemplo, decretó que de ahora en adelante ningún aristócrata debería figurar como personajes en ninguna producción teatral. De esta manera el arte se conformó con las demandas revolucionarias y el Comité envió policías y soldados para supervisar las producciones de ballet y ópera. Estos años del Terror fueron particularmente difíciles para muchos artistas, especialmente bailarines de ballet y cantantes de ópera que habían disfrutado durante mucho tiempo del patrocinio y la generosidad de la nobleza. Varios bailarines franceses clave abandonaron Francia durante este período, muchos de los cuales se establecieron y actuaron en Londres en ese momento. Jean-Georges Noverre, Auguste Vestris y Jean Dauberval fueron solo algunos de los muchos bailarines parisinos que se refugiaron en Inglaterra. Para los que se quedaron en Francia, la participación en los nuevos ballets revolucionarios, con sus argumentos que defendían la libertad y el gobierno republicano, proporcionó una forma de desviar las sospechas del régimen y evitar el encarcelamiento y la guillotina.

Crecimiento de comparsas.

A pesar de las crisis fiscales y la agitación revolucionaria, el ballet floreció en París durante los años de la Revolución. Las viejas redes de mecenazgo que habían sido apoyadas por la aristocracia habían desaparecido, pero el nuevo papel de la danza como promotora de los ideales republicanos en los festivales garantizaba su generoso apoyo incluso cuando el nuevo régimen enfrentaba una escasez crónica de fondos y suministros. En otras partes de Europa, las últimas décadas del siglo XVIII fueron también tiempos de gran expansión en las compañías de ballet. En Italia, la mayoría de los grandes teatros de ópera empleaban alrededor de cuarenta bailarines en este momento, mientras que en la lejana Estocolmo sus filas rondaban los setenta. Para 1770, la propia compañía de la Ópera de París había aumentado a más de noventa intérpretes, y aunque la crisis fiscal crónica de la década de 1780 pudo haber hecho que estos números se redujeran un poco, los elaborados espectáculos representados con bailarines profesionales desde la Ópera apuntan a su continua vitalidad. A fines del siglo XVIII, el propósito de estos grupos urbanos era en la mayoría de los lugares doble; las compañías de ballet de la época aún actúan diversión, entr'actes y ballets concluyentes dentro de las óperas como lo habían hecho durante casi dos siglos, pero también realizaban ballets de pantomima o ballets de acción. El largo aprendizaje del ballet en la ópera no había terminado por completo en el año 1800, pero la forma de arte había alcanzado un grado sorprendente de independencia durante el transcurso del siglo anterior. Una señal de esta nueva realidad, y un presagio de innovaciones aún mayores por venir, ocurrió a fines del siglo XVIII cuando el bailarín y coreógrafo italiano Salvatore Vigano instituyó reformas drásticas en el vestuario y el calzado de la compañía de danza en la Ópera de Venecia. Vigano introdujo un vestido neoclásico ligero y holgado, y exigió que sus bailarines usaran sandalias o pantuflas. Su emancipación de los bailarines de gran parte de los elegantes adornos en los que la sociedad aristocrática del siglo XVIII los había colocado durante mucho tiempo abrió el camino para las sorprendentes innovaciones en la técnica de la danza que se produjeron en el siglo XIX.

Fuentes

Judith Chazin-Bennahum, Baila a la sombra de la guillotina (Carbondale, Ill: Universidad del Sur de Illinois, 1988).

Susan Leigh Foster, Coreografía y narrativa. La puesta en escena de la historia y el deseo del ballet (Bloomington, Indiana: Indiana University Press, 1996).

Invitado Ivor, El Ballet de la Ilustración (Londres: Dance Books, 1996).